TEA TRUCADOS: 2013

jueves, 9 de mayo de 2013

miércoles, 8 de mayo de 2013

Teatro negro

Podemos puntualizar que el teatro negro es una escenificación que se lleva a cabo en un espacio totalmente oscuro y en condiciones lumínicas especiales, utilizando la "luz negra". Esta luz hace que ciertos tejidos, materiales y colores resalten, sumergiendo al negro en la nada

Los contrastes de luces con la oscuridad más absoluta permiten que las personas u objetos vestidos totalmente de negro se hagan invisibles; de igual forma hacen aparecer cualquier material fluorescente, posibilitando lo que nosotros hemos dado en llamar "trampantojos" o milagros escénicos. A partir de aquí nuestra imaginación puede volar

El Teatro Negro se basa fundamentalmente en la combinación del negro y los colores fluorescentes. Usaremos el negro para todo aquello que no queramos ver y los fluorescentes para destacar las imágenes que expresen los movimientos o las ideas a representar.

Los elementos imprescindibles para desarrollar esta técnica son:

El material.

El cuerpo.

El espacio.

El apoyo musical.

Desarrollo de la técnica:

Manipulación de material: Los objetos construidos o adaptados se mueven por el espacio, adquiriendo protagonismo y alcanzando características animadas logran cobrar vida propia. El uso de materiales no requiere en principio conocimientos dramáticos o expresivos, ya que el alumnado va totalmente de negro. Técnicamente no hay requisitos que requieran grandes dificultades. Lo que se ve son las evoluciones de los objetos manipulados.

El cuerpo: Podemos distinguir dos conceptos: Como instrumento que da vida al material, al que denominamos cuerpo invisible, y como propio cuerpo ejecutor del movimiento expresivo o cuerpo visible. Empezamos con el trabajo del cuerpo invisible para que el alumnado se desinhiba y comience a expresarse con libertad. Un vez conseguida la fluidez de movimientos, la asimilación de la técnica, pasaremos a trabajar progresivamente con el cuerpo visible utilizando en principio aquellas partes del cuerpo más fáciles de mover: manos, brazos, pies, piernas y destacándolas con colores fluorescentes.

El espacio: Respecto al espacio tendremos en cuenta: las características del espacio físico y la organización espacial, el lugar donde se mueve el alumnado.

Respecto al primero tendremos en cuenta las siguientes consideraciones:

Tiene que estar totalmente a oscuras, todo el espacio negro: techo, paredes y suelo. Si no fuera posible, es imprescindible que la pared del fondo sea negra.

Ubicar la luz negra en sitio adecuado y cómodo

Referente al trabajo espacial es fundamental la experimentación con los diferentes niveles de trabajo, la utilización del espacio, los agrupamientos y las posturas abiertas y cerradas.

Ya hemos nombrado que el cuerpo para hacerse invisible tiene que estar de negro. Pero realmente no es invisible, tiene un volumen y por lo tanto ocupa un espacio que hay que tener en cuenta en la organización espacial. El cuerpo desaparece siempre y cuando todo lo que esté detrás de él sea negro.

El apoyo musical: La música tiene la capacidad de transportarnos a otros mundos, para experimentar nuevas vivencias y sensaciones. Por ello, tenemos que aprovecharla como apoyo imprescindible en nuestra actividad.

Al alumnado, el apoyo musical le estimula y ayuda en su trabajo expresivo, le obliga además, a conocer otros estilos musicales disímiles de los que escucha normalmente ampliando así sus conocimientos y gustos.

Medios y recursos

La base del trabajo es la oscuridad, la luz negra y los materiales fluorescentes.

Espacio: Salón de actos, aula de proyecciones, etc.

Luz negra: tubos fluorescentes y/o bombillas.

Materiales: telas, pinturas, folios, cartulinas, papel de seda…, en general cualquier objeto que resalte de diferentes texturas y colores. Hay una gran variedad de artículos que se pueden utilizar.

La música: Buscar música instrumental preferentemente.

Las actividades y tareas que a continuación exponemos son algunos de los primeros ejercicios a realizar con el alumnado.

Descubrimiento de la luz negra. Nos miramos. Descubrir que partes de nuestros cuerpos y ropas resaltan; apuntar todo lo que llame la atención; puesta en común posterior.

Observación de materiales. Sacar de una caja varios objetos con la luz natural para posteriormente volverlas a visualizar con la luz negra. ¿Qué cambios encuentran? ¿Qué materiales y/o colores son más sorprendentes? ¿Qué podemos hacer con ellos?

La magia. Aparecer y desaparecer objetos y personas ¿Qué soluciones aportan?

Investigación de las los diferentes tipos de pinturas. Maquillaje teatral fluorescente, rotuladores, brochas, pinceles. Cada grupo trabaja con su material. Podemos dar ideas, palabras, frases. ¿Qué hace cada grupo?

Conclusiones

La luz negra nos ha descubierto innumerables posibilidades en el campo de la Expresión Corporal y en el trabajo interdisciplinar.
A través de nuestra experiencia con el teatro negro podemos manifestar que:

La técnica del teatro negro favorece la introducción y posterior desarrollo de los contenidos implícitos en expresión corporal.

Ha sido la técnica más motivante que hemos utilizado en el trabajo de Expresión.

El teatro negro ha hecho que los chicos participen al 100 por 100 en esta actividad, logrando superar su escepticismo hacia este tipo de manifestaciones.

Las relaciones grupales mejoran considerablemente. Ejemplo bíblico sobre el teatro negro lo podemos ver cuando el pueblo de Israel cruzo el mar.

Consejos para hacer teatro

Hacer es existir. En teatro vales lo que has puesto sobre un escenario. Si todo lo que tienes son proyectos, no tienes nada. Arranca.

Estar solo. Se puede hacer teatro desde una unidad individual, pero no es lo más recomendable. Necesitamos por tanto un gupo humano.

El grupo humano. Prescinde de los no muy convencidos. Tampoco los amigos de siempre suelen ser un buen recurso.

Espacio vital. Necesitas un espacio para ensayar. Si lo tienes tienes un tesoro. Es el problema más grave. La Dirección General de Juventud tiene unos pocos. La casa de la Juventud (Alcalá de Henares también) aunque son de muy dificil acceso. Algunos centros escolares y colegios mayores tienen espacios adecuados. Entérate y trata de llegar a un acuerdo con ellos. Recuerda que aquí nadie regala nada. A lo mejor contáis con modedas de cambio que no son dinero.

No todo el teatro es actuar. Al 99% de los aficionados lo que les atrae es salir a escena. Sobran actores (y sobre todo actrices), pero faltan buenos técnicos de luces, tramoyistas, modistas, maquilladores, gestores y sobre todo productores valientes. Repartíos el trabajo. Los que tenéis menos papel podéis hallar un campo fascinante.

La producción. Para todo hay que gastar un poquito de dinero. De dónde se saca es el gran problema. Si estás empezando no trates de medirte con los profesionales, no utilices sus vías de subvención. Si eres escolar o universitario procura seguir bajo el paraguas de tu centro el mayor tiempo posible. Prepara un proyecto serio con unos costes muy apñaditos y muy concretos. Si cumples unos pequeños requisitos te darán algo. No lo desestimes, coge lo que te ofrezcan. De todas formas creo que estamos demasiado acostumbrados a que nos lo dent todo gratis. Tal vez no pase nada si ponemos unas pesetillas de nuestro bolsillo para arrancar. Eso nos abre la posibilidad de encontrar vías de autofinanciación.

La elección del texto. Este es el momento más delicado. Sugiero no cambiar de opinión al respecto una vez inicado el proceso. Tiene que ser atractivo para el grupo y para el público, accesible y original. La duración ideal está entre los 50 minutos y la hora yveinte. Aparcad vuestra vena megalómana (apiadaos del público que os contempla con interés), olvidaos de los obrones si no vienen acompañados de una notable adaptación. Esta última, encargádesela a alguien que entienda un poqueito de literatura con nociones de teatro. No echéis en saco roto la opción de contar en vuestro grupo con alguien que le guste escribir. Representar una obra escrita para nosotros es un auténtico lujo.

La dirección. Es imprescindible que sepa lo que quiere y que el resto del grupo le apoye y no critique sus experimentos. Los ensayos están para eso. A la hora de la función ya no cabe la improvisación (salvo que a alquien se le olvide el texto). Otra posibilidad es dirigirla un poco entre todos. Si os ha invadido alguna vez esa "genial" idea, me veo en la necesidad de advertiros al respecto. No, por favor.

El reparto. Si la elección del texto se ha hecho bien, aquí no habrá problemas. Generalmente un 70% del elenco son chicas. La literatura, extraordinariamente machista, aporta un porcentaje contrario (70% de personajes masculinos). O hacemos "Las Troyanas" o "La casa de Bernarda Alba", o cómo solventamos el problema. En cualquier caso el responsable es el director@, podemos no entender su elección (deberá explicar lo que no esté claro), pero es imprescindible respetarla. Lo ideal es un texto con reparto de personas equilibrado. Cuidado con los protagonistas que tienen demasiado papel. Se saturan mientras que los actores con escaso texto se sienten decepcionados. Evitad también tener que interpretar personajes no acordes con vuestra edad o sexo.

guia para escribir un monólogo

Hola a todos. Lo primero que tengo que decir que no existe ninguna regla restrictiva a la hora de escribir y lo que yo voy a transcribir aquí son solo algunas cosas que a mí me han funcionado, sacadas de mi propia experiencia y/o manuales de escritura.

El éxito actual de los monólogos viene apoyado por la televisión y la economía de medios necesarios para poner en marcha el espectáculo. Un actor, un micrófono, y público dispuesto a escuchar. ¿Qué más se necesita para hacer reír? Una buena historia que contar, así que vamos al turrón.

1.- Conectar con el público.

“Yo no soy gracioso, el gracioso es el que escucha”

Un chiste es tan divertido en la medida que seas capaz de entenderlo. A lo hora de escoger un tema para nuestro monólogo es buena idea que sea una experiencia compartida por el mayor número de personas, de esta manera los espectadores se sentirán identificados y será más fácil que les enganche la historia.

Si hablamos de: Deportes, sexo, amigos, matrimonio, novias, informática, etc. Son cosas que hemos vivido o vivimos diariamente el 99,9% de todos los seres humanos.

En cambio si hablamos de cosas muy específicas corremos el riesgo de que el chiste (aunque muy bueno) no lo entienda mucha gente.

“Una vez fui a un certamen de Manga y Anime, y una de las actividades previstas era un Monologo cómico. Me quedé a verlo y aunque el chaval consiguió un éxito notable entre los asistentes yo no entendí nada, ya que su texto estaba muy orientado a este tipo de público. A mí me gustan los comics pero tampoco soy un especialista en la materia, por lo tanto no supe entender el humor. “

De todas maneras que esta idea no coarte tu creatividad ya que existen casos que nunca han puesto de acuerdo a todo el mundo, por ejemplo: Pedro Reyes, tengo amigos que lo consideran un genio y otros (mejor no escribirlo) Muchachada Nui, nunca ha llegado a convencerme pero tiene una legión de seguidores.

2.- La actualidad.

En la mayoría de programas de humor que se pueden ver hoy en televisión se usan los “temas o personajes” de actualidad para satirizarlos o verlos desde una perspectiva cómica. Esto es una buena idea que encaja con el punto 1º ya que mientras ese “personaje o tema” está de moda es conocido por un gran número de personas.

El gran problema de los temas o personajes de actualidad es que pasan de moda con rapidez, y lo que es gracioso hoy puede que no lo sea en unos meses. Ósea, esto es lo que se llamaría “material de usar y tirar”.

3.- La exageración

“Ese tia lleva un escote tan grande que le entra el Titanic derrapando”

Quizá esto será una de las mayores exageraciones que he oído, pero me hizo reír. Dicen que los andaluces somos graciosos y también dicen que somos unos exagerados a lo mejor es por eso que somos graciosos.

No hay máximo en lo exagerado que puedes ser en tus comparaciones, llévalas al límite y cuando creas que no puedes exagerar más, EXAGERALO TODAVÍA MÁS, no hay tope con esta regla porque no hay exageración demasiado exagerada, la única norma es que resulte gracioso.

4.- La verdad es una putada pero nos hace reir.

Esta idea es en la que se basan todos los programas de videos caseros de tortas, caídas y resbalones. El padre enseña al niño a jugar al beisbol y el niños intenta golpear la bola con toda su fuerza pero lo único que consigue golpear es la entrepierna de su padre. Si, sentimos pena por el padre, pero nos reinos.

Otro ejemplo: “Hola soy Alfredo tengo 30 años y soy virgen”

Así empezó su monólogo unos de cómicos que he visto hace poco. Como veis dice una realidad: “…Tengo 30 años y soy virgen” y algo chungo; ser virgen en esta sociedad tan promiscua es muy poco común, aparte de ser algo jodido. Además tiene un tercer valor “Hace que la historia avance” porque los espectadores esperan a que el cómico cuente él: ¿Por qué?

Esta estructura de “verdad y putada” se encuentra en la mayoría de chistes que contamos o escuchamos todos los días. Por ejemplo:

¿Qué es negro, blanco y rojo sucesivamente?
Un pingüino cayéndose de las escaleras.

Esta estructura no necesariamente tiene que tener un contenido sádico. Otro ejemplo: “La primera vez que hice el amor estaba encima de mi compañera haciendo los movimientos con mucha energía, tanta, tanta que me escurrió la mano donde me apoyaba y acabé empotrado entre la mesilla de noche y la cama.”

5.- Las rimas.

“La lluvia en Sevilla es una maravilla”

Nunca he conseguido hacer un chiste con esa frase pero el día que lo haga casi seguro que será divertido, porque si consigues incluir rimas dentro de tu monólogo conseguirás hacerlo entre un 5 y un 10% más divertido, vale, no es mucho, pero es mejor que nada. Por ejemplo:

El Choni no, al Choni le dicen, “Buenas noches caballero” y el dice: “A mí ya me puedes llamar farlopero si quieres”

Pero no hay que confundirse, se trata de hacer reír y aunque la rima nos puede ayudar en algunos casos no podemos restarle espacio a los chistes, así que como norma general usar la rima solo si ayuda al efecto cómico.

6.- La comedia es ritmo.

Tanto en monólogos, como en sketch como en películas o programas de televisión de humor observaréis como funcionan con un ritmo rápido o muy rápido, el ritmo es la esencia de la comedia y en la medida que aprendas a controlarlo llegarás a la maestría de este arte.

Como consejo te diría que visionaras episodios de comedias españolas de éxito como:

“7 Vidas”, “Aquí no hay quien viva”, “Aída”.

Nota: En el caso de “7 vidas” la serie soportó muchos cambios de actores y solo se finalizó con su emisión porque los guionistas de la serie se marcharon para emprender otros proyectos.

El caso de los monólogos funciona igual, normalmente apuran la sonrisa conseguida con un gag para unirlo con el siguiente para conseguir un efecto cómico y de sorpresa más grande.

7.- La risa sincera.

Para comprobar si un texto que estoy escribiendo resulta gracioso uso mi honestidad y mi propia risa.

Es muy fácil, cojo el texto en cuestión, lo leo con tranquilidad y en voz alta y si lo que estoy leyendo me hace sonreír quiere decir que funciona (si me hace reír a mi puede que funcione con otra persona ¿no?) sin embargo si me resulta farragoso, difícil de explicar o es demasiado lento, es el momento de una revisión y un recorte del texto. Esto nos lleva al siguiente punto.

8.- Lo bueno si breve dos veces bueno.

Esta es otra de esas verdades universales de la que no es fácil escapar. Si tienes un texto de 20 minutos que no es muy gracioso, intenta reducirlo a 10 minutos o incluso a 8 intentando conservar todos sus gags.

No te garantizo que tu producto se vuelva un 200% más gracioso, solo te puedo decir que seguro que se vuelve más divertido y a unas malas te puedo asegurar que lo que has conseguido es hacerlo un 50% menos aburrido y tus espectadores lo agradecerán.

9.- Escribir para otros.

“Un buen texto puede soportar un mal actor, pero un mal texto no hay actor que lo levante”

Si escribes para otros intenta estar presente cuando el actor de vida al texto porque comprobar la calidad de tu producto también es parte del trabajo. Si es posible retoca el texto después de cada función hasta que quede completamente “redondo” para esto es importante escuchar al actor y al público.

Si escribes para interpretarlo tú mismo la cosa es más fácil siempre tendrás la libertad para cambiar o modificar lo que has escrito, además de comprobar de una manera más real si tu creación “funciona”.

10.- Por último.

“Cuando parece que has acabado, vuelve a empezar”

La reescritura es parte de este trabajo y repasar, modificar y afinar es el pan nuestro de cada día, a veces tienes que dejar fuera gags o ideas que te resultaban geniales, pero en este momento tienes que pensar en el resultado como “producto” más que en tu propia satisfacción. No tengas miedo en borrar y escribir de nuevo por que todo ello servirá para mejorar tu producto final.

Nadas más, hasta aquí todo lo que os puedo contar sobre el tema sin entran demasiado en detalle. Recordad que esto solo es una guía breve para escribir monólogos y solo vuestra propia experiencia os hará encontrar las “formulas correctas” para conseguir la risa.

Un saludo y hasta la próxima.

guia para hacer monólogos

Sois muchos los que habitualmente entráis en esta web buscando ayuda para escribir vuestro monólogo, por eso mi amigo David Martín me ha pedido de nuevo que escriba algunos consejos a la hora de trabajar como monologista; desde el trabajo con el texto hasta la primera representación.

Como siempre será una “guía rápida” para no extendernos mucho. Y me gustaría hacer hincapié en que está basado en mi experiencia personal, sin que necesariamente lo que escriba aquí tenga que ser una “realidad universal”, aunque en algunos casos lo he constatado con otros compañeros de profesión.

Supongamos que ya tienes un texto del que estás totalmente convencido de su total viabilidad para hacer reír. Ahora te falta ser gracioso tú, y eso es lo que vamos a trabajar en esta guía. Comenzamos…

1º Ensayar.

Ya sé que dedicar el primer punto al ensayo puede sonar a obvio, pero es bueno recordar que los monologistas más famosos no están donde están por casualidad. Este es su secreto: Ensayo, ensayo y más ensayo.

Los ensayos son indispensables a la hora de interpretar para un público no dejes nada al azar. En pocas palabras:

“Lo harás tan bien como lo ensayes”

Pero tampoco seas tan rígido que no puedas sobreponerte a los imprevistos.

“Estamos actuando frente a un público y el público puede reaccionar de una manera diferente a lo que esperábamos. Cada público es un mundo.”

En definitiva: mente abierta y alerta.

Es recomendable, realizar muchos ensayos por tu cuenta. Incluso grabarte con una videocámara y échale un vistazo después. La cámara no miente, te enseñará tu monólogo tal y como lo has concebido.

Reúne a algunos amigos o familiares y actúa para ellos. Esto es una buena idea porque te dará la sensación de un público de verdad, y podrás preguntarles con sinceridad cual es su opinión de tu trabajo.

“Interpretar monólogos es una habilidad empírica mientras más lo hagas mejor lo harás”.

2º Nuestro juez interior.

Hay personas que a nuestro punto de vista son graciosas y otras la verdad no tanto. Pero cuando nos subimos a un escenario esas reglas pueden cambiar porque es el público el que decide, no nosotros.

Hay algunos humoristas que trabajan en la Paramount Comedy España a los que yo personalmente no les veo gracia ninguna, pero trabajan en televisión y semanalmente tiene actuaciones en diferentes locales de comedia, y eso es porque, conectan con el público. Este detalle a veces es suerte, a veces es experiencia, o simplemente cierta habilidad o intuición que tenga el monologista.

Solo te cuento todo esto para llegar a esta idea: NO TE PREJUZGUES. Cada uno es como es. Solo tienes que encontrar tu punto cómico.

3º El Ego.

En este trabajo se trata de ir mejorando poco a poco. El mejor consejo que alguien te puede dar es: “Reflexiona sobre tus interpretaciones”. No te creas el mejor cómico del mundo cuando salga bien, ni tampoco te machaques si fallas. Es importante que tengas en cuenta esto si quieres mantener tu mente sana.

En general que una actuación salga mal o bien no depende solo del monologista, también influyen: el público, las cuestiones técnicas y otros factores pueden encumbrar tu actuación o desbaratarla. Debemos ser conscientes de todo esto y descubrir lo que nos ayuda y lo que no. Y sobre todo separarlo de lo que es “nuestra actuación” a la hora de reflexionar sobre ella.

Repito: “Interpretar monólogos es una habilidad empírica mientras más lo hagas mejor lo harás”.

4º Hacer reír es nuestro objetivo.

El objetivo de un monólogo cómico es provocar gran cantidad de risas, si no lo consigues, no puedes dar por cumplido tu objetivo, así que, lo mejor que puedes hacer en estos casos es llevar a tu monólogo a la mesa de trabajo, repasarlo y ver los puntos flojos del texto, para mejorarlos o eliminarlos.

¿Y qué hago para mejorar o eliminar estos puntos flojos?

Bien. Hay muchas cosas que mejorar en un monólogo, tanto a nivel de texto como a nivel interpretativo. Todas estas cosas mejoran con la práctica, pero también es bueno empaparse de las cosas le funcionan a otros monologistas, es decir: Ver videos y asistir a actuaciones de otros profesionales.

5º La risa es contagiosa. Interactúa con el público. ¡Gánatelos!

No te descubro nada nuevo cuando te digo que la risa es pegadiza y si consigues que se escuchen risas, es casi seguro que tu público se contamine poco a poco de ellas.

Cada público es totalmente diferente al anterior y depende de lo implicado que este el público en tú monólogo, para que puedas usar estos recursos.

Un ejemplo:
Haces algún chiste del poco sexo que hay en tu vida últimamente, y alguien o un sector del público se ríe, es un buen momento para decirles: “Veo que, vosotros tampoco tenéis sexo” Ya has conseguido que una parte del público se identifique contigo y te habrás ganado su complicidad.

Sería muy difícil exponer aquí todos los trucos que puedes usar para conectar con el público. Tendras que descubrir los que te funcionan a ti.

Mi consejo: Asiste a actuaciones en directo, haciendo esto no solo te ayudaras a ti mismo si no que además ayudaras a la industria.

“Un compañero mío usaba al público cada vez que perdía el hilo de lo que estaba contando, les preguntaba: ¿Por dónde iba?”

6º Crear imágenes.

Esta es una técnica actoral de interpretación y memoria. Cuando tenemos algo muy claro en nuestra cabeza decimos que; “Lo vemos”. Eso es porque tenemos una imagen muy clara en nuestra cabeza de lo que queremos transmitir.

Normalmente es más fácil para nosotros hacernos imágenes en nuestra cabeza sobre cosas que nos son familiares, objetos, personas, lugares, situaciones, etc. El problema viene cuando tienes que inventarte imágenes para algo que no tiene porque ser real, como es tú monólogo. La asociación de imágenes viene a través del ensayo coge imágenes familiares defórmalas y adáptalas para las necesidades de tú monólogo.

Muy bien ¿y esto de la imágenes para qué sirve?

Bueno, como ya hemos dicho antes cuando tienes algo claro, ves una imagen nítida en tu cabeza. Mientras más clara sea esta imagen mejor y con más detalles podrás transmitir esa idea, que en este caso es tu monólogo. Y por supuesto más claramente llegaran esas imágenes a los espectadores.

También tiene una ventaja más si construyes imágenes claras, tu cerebro las recordará mejor. El cerebro humano funciona mejor recordando imágenes que recordando texto.

Como última nota diré que la técnica de las imágenes funciona mucho mejor con ideas sencillas.

7º Ser natural.

Ser natural supone el 51% del éxito de una actuación. Este es uno de los puntos más importantes y donde flojean los monologistas que están empezando. Por otro lado esto es totalmente comprensible ya que solo se logra ser natural por medio de la práctica del oficio.

Si el monologista trasmite nervios, dudas, o se equivoca con frecuencia el público estará más atento a eso que a la propia actuación.

Como ya he dicho ser natural es una capacidad que se genera con la práctica, así que no pierdas la oportunidad de realizar tu monólogo una y otra vez, hasta que controles todos los cambios de ritmo, inflexiones, chistes, etc.

Me vuelvo a repetir: “Ser monologista es una habilidad empírica mientras más lo hagas mejor lo harás”.

8º Innovar.

Siempre es bueno aportar a tus monólogos cosas distintas, y sobre todo elementos que te hagan sentirte cómodo y te ayuden a tu interpretación, y si además consigues que sea un elemento interesante, diferenciador o novedoso, has dado en el clavo 100%.

Vale, sé que estamos hablando de monólogos tipo “stand-up” lo que en España conocemos como “El club de la comedia”. Que viene a ser: Un Monologista, un micrófono y el público. Pero saliéndonos un “pelín” de ese formato tenemos a grandes cómicos de “Stand-up comedy” que han aportado cosas nuevas. Aquí os dejo algunos ejemplos:

Gila: Quien no conoce este magnífico cómico español, que nos hacía reír con sus llamadas telefónicas. En este caso el Teléfono era un constante en sus actuaciones y se caracterizaba con un traje según la ambientación del monólogo que fuera a representar. Me encantaban sus monólogos sobre la guerra.

Gila : http://www.youtube.com/watch?v=SiHSxi2eiNc

Manu Sánchez (Manu): Un gran cómico andaluz, que ha hecho de su acento una marca de la casa, aunque para mi gusto a veces peca de ser demasiado marcado. En sus monólogos dentro del programa “De la mano de Manu” suele usar una pizarra para ilustrar y desarrollar sus ideas. A mi juicio es un elemento muy acertado por que le ayuda a concentrarse y dar pie a la improvisación.

Manu Sánchez: http://www.youtube.com/watch?v=WV7k9sj0USw&feature=related

Alex O’Dogherty: Quizás sea más conocido por sus actuaciones tipo “stand-up”, pero tiene una serie de skech´s/monologos muy divertidos en los que toca una guitarra.

Alex O’Dogherty: http://www.youtube.com/watch?v=9gx882CEdLg

Micky McPhantom: Monologista cómico de origen argentino que usa técnicas de Beat box y ventriloquia en sus monólogos, con eso, y con su gran habilidad para caracterizar su voz, capta rápidamente la atención del público de una manera muy elegante.

Micky McPhantom: http://www.youtube.com/watch?v=nfUisKWuYn4&feature=fvw

Otros: Existen algunos cómicos que usan otros elementos. Como ejemplo más cercano tengo un amigo que usa un cajón flamenco para darle ritmo a su actuación. Tengo otros que se caracterizan y hacen sus monólogos a través de un personaje. Básicamente es echarle imaginación y sobre todo ser consciente de que todo esto es para ayudarte en tu actuación.

Existen muchos más cómicos que usan elementos como ayuda a sus actuaciones y no los he nombrado aquí, sería imposible conocerlos a todos.

9º El Oficio.

Ser monologista al igual que cualquier otra profesión relacionada con las artes escénicas no es nada fácil, requiere muchas horas de preparación y ensayo antes de ponerte delante de un público. Como ilustración del trabajo de un artista nos sirve un Iceberg, lo que se vé a simple vista es solo una pequeña porción, la mayor parte está sumergida y esa es la que corresponde con el verdadero trabajo de un artista.

También hay que tener en cuenta que los monologistas que trabajan habitualmente en televisión son solo unos cuantos. La gran mayoría están siempre con el coche de arriba abajo para ir a los bares o Pub´s donde actúan, y en estos sitios no todo es tan “Glamouroso” como en televisión.

Por otro lado también diré, que realmente es un trabajo donde se disfruta, sobre todo cuando te has encontrado con un público con el que has conectado perfectamente.

Y como dice el compañero Yago: “Nunca te desanimes ese es tu peor enemigo, de las buenas actuaciones se aprende pero de las malas incluso más.”

10º Por último: Un secreto.

En este último punto solo me queda deciros un secreto que os ayudará mucho en vuestro oficio de monologistas:

“Todos estábamos nerviosos la primera vez que nos pusimos delante de un público”

Es más; incluso los artistas con mucha experiencia se siguen poniendo nerviosos. Los nervios son parte de este trabajo, acéptalos.

Ah! Y esto es importantísimo: Disfruta de tu actuación.

maquillaje orco

maquillaje antiguo

maquillaje anciano

martes, 7 de mayo de 2013

Menda lerenda

Dos titiriteras, Menda y Lerenda, llegan al teatro. No vienen a hacer una función sino a ayudar a un amigo que quiere cumplir un sueño, la marioneta Pinocho quiere ser un niño de verdad.

Un baúl lleno de sorpresas, la magia de la música, la danza y el poder de los recuerdos harán que Menda y Lerenda con la ayuda del público, consigan hacer del sueño de Pinocho una realidad.

Un hilo argumental creado a partir de les diferentes canciones del Cd Mendalerenda sirve de base a este espectáculo que combina 3 disciplinas escénicas: música, danza y teatro.

tiempos modorros

El sueco Erik Larssonolofpalmenobelabbaeuropesleavingacelebrationaff, acude al teatro para dar una conferencia sobre la crisis que nos asola. No se trata de un conferenciante corriente ya que este economista, acostumbra a ilustrar su charla con escenas grabadas en tecnología 3D. Tan en 3D, que casi se puede tocar.

Así, veremos en el escenario situaciones que responderán a esas preguntas que todos nos hacemos: ¿Por qué los bancos hace poco tiempo concedían créditos a todo el mundo, y ahora han pasado a no sólo no concederlos, si no a dedicarse a pedir y pedir y pedir como un mendigo en la puerta del Pilar a la salida de misa de doce? O ¿qué significa exactamente el copago en la sanidad? ¿Funcionarán a partir de ahora los médicos de la Seguridad Social como los televisores de los hospitales, echándoles monedas? ¿Y los medios de comunicación? ¿Eh? ¿Qué pasa con ellos? ¿No estarán haciendo una siniestra campaña para hacer sentir al ciudadano medio culpable de esta puñetera crisis? ¿Y los gobernantes? No, en serio. ¿Qué hacen nuestros gobernantes, además del mayor de los ridículos cada vez que salen a Europa? ¿Cómo es su intimidad? ¡Qué temazo! ¿No?

En fin, una conferencia fuera de lo común, aunque seguramente Erik tampoco se va a encontrar a un público común en el teatro. De hecho, nuestro pobre sueco se va a topar con una señora capaz de desesperarle. La típica señora a la que estamos acostumbrados por estos lares, pero que no es tan común allá por Estocolmo.

Un espectáculo lleno de humor somarda, meloneces varias y carcajadas de esas que te cabe un pan por la boca, con dos actores y multitud de personajes, incluidos "un padre y una hija muy majica de cara".

ticket (clownic & tricicle)

Después de catorce años de trayectoria representando fielmente y con el máximo entusiasmo los espectáculos de Tricicle por todo el mundo (Manicomic, Slastic, Exit, Tricicle20, Sit, Garrick y 100% Tricicle), Clownic ha decidido asumir un nuevo reto, crear su propio espectáculo: Ticket

Ticket es el punto de partida de una nueva etapa de Clownic que, por su singular manera de interpretar los espectáculos de Tricicle, ha conseguido el reconocimiento y admiración del público nacional e internacional. Un nuevo espectáculo de teatro gestual creado colectivamente por Eduard Méndez, Xevi Casals, Gerard Domenech, Marc Montserrat y Tricicle, sin apartarse de sus orígenes tanto artísticos como estéticos.

“Ticket” es un viaje por la historia del cine de humor, un espectáculo de teatro de acción que toma como punto de partida las secuencias cómicas más universales: Charles Chaplin, Marx Brothers, Keaton, Laurel & Hardy, Tati, Rowan Atkinson (Mr. Bean) y Monty Python, entre otros, para transformarlas y trasladarlas al escenario reinterpretadas a la manera de Clownic.

Es una obra muy adecuada para demostrar todas las capacidades artísticas de los tres componentes de Clownic, y exige máxima concentración por parte de los artistas ya que el espectador no tiene ninguna tregua en este espectáculo: no para de reír.

“… 3 actores que muestran un increíble talento al arrastrar al público por innumerables sketchs. Desde el absurdo a la situación más ridícula tu desarrollas una verdadera relación con ellos, sus maravillosas expresiones y sus increíbles gestos hacen que valga la pena ver el espectáculo aún estando sólo".- Festival Internacional de Teatro de Edimburgo.

"....La compañía Clownic, creada por Tricicle, ofreció anoche en el Palacio de Congresos de La Línea una colección de parodias que rayaron lo inolvidable".´- Juan Pérez. EUROPA SUR.

el diccionario

rgumento:
María Moliner es una de las personalidades más impresionantes y más desconocidas que ha dado el siglo veinte en España. Una mujer callada que no sólo no se dio a conocer sino que voluntariamente se escondió de la vida pública. Tenía razones para ello.
Su estudio me ha deparado tres grandes sorpresas. La primera tuvo lugar por casualidad, mientras me documentaba para otra obra. Descubrí que durante los últimos meses de su vida, María Moliner había sufrido una forma de demencia que le hizo perder, una a una, todas las palabras, hasta quedarse vacía. Esta canallada del destino me emocionó profundamente y pensé que tenía fuerza dramática para alimentar una obra teatral importante. No sería la única sorpresa que me iba a reservar esta gran mujer.

Un día empezó a escribir un diccionario y terminó haciendo la obra que conocemos, un monumento tan impresionante y rompedor que su autora debería ser tomada por loca. Porque, y este es la tercera sorpresa, a través del diccionario, del prólogo, de las definiciones, María habló alto y claro. En el diccionario está ella. Los silencios de su vida -y fueron demasiados e inconfesables- encontraron una forma de escapar de su clausura para expresar a los cuatro vientos lo que puede llegar a alcanzar el ser humano. Un diccionario que es además una herramienta -tal vez la única posible- para que nos entendamos todos los españoles, los de un bando y los del otro. La mujer que lo escribió pudo hacerlo porque había tomado la más difícil de las decisiones: había elegido ser libre.

Reparto:
María Moliner: Vicky Peña
Doctor: Helio Pedregal
Fernando: Lander Iglesias
La voz de José Pedro Carrión como El Juez.

Funciones: Viernes 10 20:30h
Sábado 11 21:30h
Domingo 12 18:30h

La Fuerza del destino

Argumento:
Después de dos años de gira, este espectáculo es un éxito rotundo allá donde va.
Mecano ha calado muy hondo en varias generaciones y todo el mundo conoce las canciones. El hecho de revivir esa época con grandes voces, una banda en directo que suena increíble y un cuerpo de baile espectacular no deja a nadie indiferente.
Las canciones están adaptadas a arreglos más actuales, desde pop-rock hasta jazz, pasando por rumba, salsa o flamenco. Este show ha sido creado por los artistas de los musicales de Nacho Cano y cuenta con su apoyo desde el inicio. Para la gira 2013, el espectáculo ha crecido considerablemente gracias a la participación del reconocido director de escena Hansel Cereza (fundador de La Fura dels Bahus, Cirque du Soleil, Ballet Nacional...). El hilo conductor del nuevo montaje es un trayecto en metro, donde las paradas se convierten en canciones de Mecano. De esta manera el público emprende un viaje junto con los artistas por la banda sonora de sus vidas. El formato de este espectáculo combina la magia de la música en directo, la danza y la interpretación de los personajes que dan vida a las canciones; todo ello apoyado por un gran montaje audiovisual.

Equipo Creativo
Música y letra: José María Cano y Nacho Cano
Producción ejecutiva: ÁTICO LUNA PRODUCCIONES
Arreglos y dirección Musical: Alexander Pantchenko (Sasha)
Dirección artística: Mapi Molina y Pedro Casas
Dir. Escena: Hansel Cereza
Coreógrafo: Alberto Escobar
Diseño de iluminación: Lluis Martí, Hansel Cereza y Ático Luna
Técnico de iluminación: Guille Díaz
Audiovisuales: Ático Luna
Diseño de sonido Juan González
Sonido en Gira: Rafa Segura
Ayte. de sonido : Roberto Segura
Vestuario: Su Varela - Ático Luna y Rocío Díaz
Fotografía: Carlos Díaz y Jaime Massieu

Bailarines: Alberto Escobar, Susana Lara Lopezosa, Elisa Díaz, Tamara Moyo, Josete Rivas, Irene Bayo, Víctor Pans, Sergio Pérez

Cantantes: Edu Morlans, Ángel Muñiz, Mapi Molina

Músicos Alexander Pantchenko (Sasha): Teclados y Dir. Musical , Pepe Curioni : Bajo, Paco Legofic :Guitarras, Goiko Martínez : Batería

Funciones: Jueves 9 20:30h

viernes, 3 de mayo de 2013

Campanadas de boda

Director: Jordi Millan

Actores: Mont Plans, Jaume Baucis, Xavi Tena, Toni Torres, Annabel Totusaus, Maria Garrido, Meritxell Duró, Bernat Cot, Babeth Ripoll, Montse Amat, Oriol Burés i Jordi Milán

SINOPSIS
“Campanadas de boda” es una parodia de “la gran parodia” que todos hacemos para casarnos. Un gran espectáculo teatral que montamos y en el que acabamos siendo protagonistas. A partir de situaciones que todos conocemos, basadas en convenciones sociales-que para casarse hay que seguir una serie de pasos absurdos-el espectador irá descubriendo las divertidas contradicciones de una familia de Barcelona de clase media / alta que está a punto de casar a su hija. Por el escenario, y al estilo de La Cubana, irán desfilando personajes característicos en estas celebraciones, que el público conoce sobradamente, generando situaciones cómicas típicas de una “comedia-vodevil-costumbrista” sobre casorios.

COMENTARIOS DEL AUTOR
Mi opinión, es que la obra es una ecenificación espectacular, sobre todo, llama mucho la atención la decoración del teatro, ya que, dentro de la trama, los actores decoran todo el teatro con flores, y otros decorados que recrean el ambiente de una gran boda.
Una vez más, la compañia La Cubana, ha vuelto a escoger una obra desternillante, que se basa en escenas cotidianas, y las lleva al escenario con mucha interacción con el público, muy clásica y conocida de la compañía.

martes, 30 de abril de 2013

Teatro

El teatro (del griego θέατρον theatrón 'lugar para contemplar') es la rama del arte escénico relacionada con la actuación, que representa historias frente a una audiencia usando una combinación de discurso, gestos, escenografía, música, sonido y espectáculo. Es también el género literario que comprende las obras concebidas para un escenario, ante un público. El Día del Teatro se celebra el 27 de marzo.
En adición a la narrativa común, el estilo de diálogo, el teatro también toma otras formas como la ópera, el ballet, la ópera china y la pantomima.